Anmerkung des Übersetzers: Bei diesem Artikel handelt es sich um ein Einführungsmaterial, das eine kurze Beschreibung einfacher, aber kritischer Punkte für die professionelle Fotografie enthält. Für Anfänger helfen solche Ratschläge, viele Fehler zu vermeiden und sich schnell den Profis anzunähern, und ermutigen sie auch, die notwendigen Materialien weiter zu studieren.
Wenn Sie großartige Fotos machen möchten, helfen Ihnen diese Tipps, Tricks und Techniken des Top-Fotografen Tigz Rice dabei, Ihre Fähigkeiten zu verbessern.
Egal, ob Sie Fotos für Designarbeiten, Modelle zur Illustration oder etwas anderes machen möchten, diese Tipps sind für jeden nützlich.
In den nächsten 15 Punkten geht Tigz auf Ausrüstung, Beleuchtung und Bearbeitung ein – alles, was Sie wissen müssen, um bessere Fotos zu machen.
1. Machen Sie einen Plan
Bevor Sie zur Kamera greifen, erstellen Sie ein paar Skizzen oder Storyboards von dem, was Sie erreichen möchten. Dadurch können Sie beim Fotografieren einer bestimmten Idee treu bleiben.
2. Hintergrund
Eine einfarbige Hintergrundfarbe im Studio stellt sicher, dass das Motiv im Mittelpunkt steht und sich bei Bedarf für die Komposition leichter trennen lässt.
Grau ist eine tolle Farbe, da sie in den meisten Situationen gut funktioniert. Sie können auch auf einem weißen Hintergrund fotografieren, wenn Sie eine hellere Komposition wünschen, oder auf einem schwarzen Hintergrund für dunklere Aufnahmen.
Unabhängig davon, welchen Hintergrund Sie wählen, achten Sie darauf, dass die Hintergrundfarbe nicht mit der Farbe des Motivs übereinstimmt.
3. Lichtquellen
Wenn Sie außerdem vorhaben, ein zusammengesetztes Bild aufzunehmen, möchten Sie, dass alle darin enthaltenen Objekte/Personen mit derselben Lichtquelle(n) aufgenommen werden.
Bevor Sie den Auslöser Ihrer Kamera drücken, überlegen Sie, wo das Motiv positioniert wird und in welchem Winkel das Licht darauf trifft. Vielleicht muss es von oben oder unten beleuchtet werden?
Es lohnt sich auch, über die Art und Farbe der Beleuchtung nachzudenken. Wir werden in den nächsten Schritten darüber sprechen.
4. Natürliches Licht: goldene Stunde
Jeder kann von natürlichem Licht profitieren, allerdings variiert die Qualität je nach Standort, Tageszeit und Wetter stark.
Wenn Sie auf natürliches Licht angewiesen sind, ist die sogenannte goldene Stunde die beste Zeit zum Fotografieren. Dies ist die letzte Stunde vor Sonnenuntergang, wenn die Sonne bereits nahe am Horizont steht.
5. Natürliches Licht: hartes Licht
Zur Mittagszeit, wenn die Sonnenstrahlen fast senkrecht auf den Boden fallen, entstehen vor allem unter den Augen und am Kinn harte Schatten. Wenn Sie zu dieser Tageszeit fotografieren müssen, platzieren Sie Ihr Motiv im Schatten oder verwenden Sie einen Reflektor, um einen Teil des Lichts zu streuen und die Schatten abzumildern.
Alternativ können Sie versuchen, in Innenräumen in der Nähe eines Fensters zu fotografieren und dabei Gardinen zu verwenden, um das Licht zu streuen. Hartes Licht kann jedoch zu Ihrem Vorteil genutzt werden – es eignet sich hervorragend für die Aufnahme von Texturen!
6. Künstliches Licht
Wenn natürliches Licht keine Option ist, können Sie es jederzeit selbst schaffen. Lichtquellen wie Lampen können bei der Ausleuchtung von Rahmenbereichen eine große Hilfe sein und sind vielleicht immer gut zugänglich.
Wenn Sie als Anfänger noch nicht auf der Stelle treten möchten, ist ein Blitz mit kabellosem Auslöser oder sogar eine tragbare Beleuchtung eine gute Investition.
7. Kamera
Wenn Sie die besten Ergebnisse erzielen möchten, ist eine DSLR oder eine kompakte spiegellose Kamera mit Wechselobjektiven natürlich ein Muss. Beide Typen bieten volle Kontrolle über die Einstellungen. Wie Sie es richtig anwenden – lesen Sie in den folgenden Absätzen.
Es gibt viele Kameraoptionen für jedes Budget, sodass Sie immer das beste Modell finden.
8. Das richtige Objektiv
Für manche mag dieser Punkt auch zu einfach erscheinen, aber es wäre trotzdem schön, Sie daran zu erinnern. Das Objektiv ist ein wichtiger Teil der Kamera und sollte mit Bedacht ausgewählt werden. Jedes Objektiv hat eine andere Brennweite, die von Weitwinkel (14 mm) bis Tele (200–400 mm) reicht.
50 mm ist in den meisten Situationen die beste Option, wenn Sie gerade erst mit der Fotografie beginnen und etwas Günstiges, Einfaches und Besseres als ein Kit-Kameraobjektiv suchen.
Der nächste Schritt besteht darin, in 85 mm/135 mm für Porträts und Detailaufnahmen und 35 mm für Landschaftsfotografie zu investieren.
9. Nehmen Sie RAW auf
Wenn Sie eine DSLR- oder spiegellose Kamera verwenden, stellen Sie sicher, dass Sie im RAW-Format und nicht im JPEG-Format aufnehmen.
Dadurch kann die Kamera Bilder ohne Komprimierung aufnehmen und verarbeiten, sodass Sie in Lightroom oder Photoshop mehr Verarbeitungsraum haben, falls Sie die Belichtung korrigieren müssen.
10. Arbeiten im Dunkeln
Wenn Sie mit einer DLSR oder einer kompakten spiegellosen Kamera fotografieren, können Sie die Sensorempfindlichkeit sehr flexibel steuern, indem Sie den ISO-Wert anpassen.
Je höher die Zahl, desto stärker ist das Bildrauschen. Versuchen Sie daher, den ISO-Wert auf den minimal akzeptablen Wert einzustellen. Hier sind ungefähre Indikatoren für verschiedene Situationen.
- Draußen bei sonnigem Wetter: 100-200
- Draußen bei bewölktem Wetter: 400
- In einem gut beleuchteten Raum: 800-1000
- In einem dunklen Raum: 1600-2000
11. Schärfentiefe
Die Blende reguliert nicht nur die Größe der Öffnung, die Licht durchlässt, sondern steuert auch, wie viel vom Bild je nach Entfernung scharfgestellt wird.
Wenn Sie eine scharfe Fokussierung vom Vordergrund bis zum Hintergrund benötigen, fotografieren Sie mit f/8 oder höher. Wenn Sie andernfalls einen unscharfen Hintergrund und ein Gefühl von Tiefe wünschen, experimentieren Sie mit Einstellungen um f/1,8.
12. Hochgeschwindigkeitsschießen
Eine kurze Verschlusszeit (1/200 Sek. oder weniger) ist ideal, wenn Sie einen Moment einfrieren möchten, während eine lange Verschlusszeit (1 Sek. oder mehr) dabei hilft, ein Gefühl von Bewegung zu vermitteln oder einen Zeitlupeneffekt zu erzeugen.
Denken Sie bei Langzeitbelichtungen daran, ein Stativ und einen Auslöser mitzunehmen, um Verwacklungen zu vermeiden.
13. Verschiedene Optionen
Sobald Sie die gewünschte Aufnahme gemacht haben, machen Sie noch ein paar Aufnahmen und variieren Sie dabei die Daten. Die größte Herausforderung liegt im Posieren. Wenn Sie also fertig sind, versuchen Sie, aus verschiedenen Blickwinkeln zu fotografieren und Einstellungen und Beleuchtungsstile zu ändern. Wenn viel Zeit in die Einstellung einer Aufnahme investiert wird, kann dieser Ansatz in Zukunft viel Zeit sparen.
14. Farbharmonie
Wenn die Bedingungen eingeschränkt sind und Sie unterschiedliche Lichtquellen verwenden müssen, müssen Sie möglicherweise die Farben anpassen, damit das Foto harmonisch wirkt.
Dies kann mit dem Tool erfolgen Weißabgleich(Weißabgleich) in Adobe Camera Raw oder Lightroom. Oder Sie können die Lektion lesen.
15. Richtiges Zuschneiden des Hintergrunds
Mit der Veröffentlichung von Adobe Photoshop CC 2015.5 war das Ausschneiden von Hintergründen noch nie so einfach. Warum nicht davon profitieren? Lesen Sie darüber im Artikel Wie man Werkzeuge verwendet
von John Wilhelm ist ein Fotoliebhaber
Für Anfänger, die gerade erst ihre Reise in die Welt der Fotografie beginnen, sind alle Ratschläge nützlich, auch die grundlegenden, da solche Ratschläge für eine unvorbereitete Person nicht immer eine nicht offensichtliche Wahrheit sind. Wenn Sie auf der Suche nach einfachen Möglichkeiten sind, Ihre Fotos wirklich zu verbessern, lohnt es sich, auf Simon Takk zu hören. Er ist ein professioneller Fotograf und Gründer von phototechniques.info, das Neulingen dabei hilft, neue und aufregende Perspektiven zu entdecken. Er hat einige Tipps zu den Grundlagen – Fotokomposition – zusammengestellt.
Tipp Nr. 1: Vermeiden Sie es, Ihr Motiv im Bild zu zentrieren
von Sara Hadenfeldt
Objekte so aufzunehmen, dass sie nicht im Mittelpunkt der Komposition stehen, wird in Fotobüchern als „Drittelregel“ bezeichnet. Dies ist ein hervorragender Grundtipp – es lohnt sich zu üben, damit sich Menschen, Tiere oder etwas Interessantes auf Ihren Fotos nicht am „toten“ Mittelpunkt befinden, sondern leicht rechts/links oder darüber/darunter. Dies gilt insbesondere für Porträts und das Hauptdetail darin – die Augen. „Spiegel der Seele“ sollten sich nicht genau in der Mitte des Fotos befinden; Sie müssen die Kamera oder das Modell bewegen.
Wenn Sie genau hinschauen, werden Sie feststellen, dass es überall Linien gibt. Sie müssen Ihre Augen trainieren und dann Ihr Potenzial für die Erstellung dynamischer und lebendiger Fotos freisetzen. Linien, die durch die natürlichen Umrisse von Objekten im Rahmen gebildet werden, können auf unterschiedliche Weise verwendet werden. Am einfachsten ist es jedoch, vom Hauptmotiv auszugehen.
Es reicht aus, sorgfältig zu überlegen, wie die Vertikalen und Horizontalen angeordnet sind, und sich zu bewegen und zu drehen, bis sie beginnen, auf einen Schlüsselpunkt in der Komposition zu zeigen. Dies kann schwierig sein: Wenn sich das Motiv beispielsweise an einer Wand befindet, sollten Sie nicht direkt davor fotografieren, da dies die Tiefe im Bild verringert.
von Stefan Schnese
Indem Sie die Linien einer vertikalen Fläche verwenden, können Sie sie auf das Hauptelement der Komposition „zeigen“ und sie so ausdrucksvoller machen.
Tipp #3 – Engagieren Sie den Horizont
Horizontale Linien erzeugen ein Gefühl der Ruhe und Entspannung – denken Sie an einen Sommersonnenuntergang über einem riesigen Grasfeld und Sie werden verstehen, was Simon meint. Wenn der Rahmen viele „flache“ Linien und wenige ausdrucksstarke Vertikalen enthält, wirkt das Foto ruhig und friedlich. Diese Technik wird verwendet, wenn Sie das Foto entspannter gestalten und Spannungen abbauen möchten. Um einen ähnlichen Effekt zu erzielen, müssen Sie sich umschauen und die Anzahl der Horizontalen und Vertikalen vergleichen. Sollten sich Letztere durchsetzen, lohnt es sich, die Position zu ändern.
Selbst wenn sich im Bild viele Vertikale befinden, „überwiegt“ eine starke Querlinie (z. B. der Horizont), was das Foto ruhiger macht. Ein markantes Beispiel ist ein Wald mit Tausenden vertikaler Baumreihen. Sie sind durch den Horizont verbunden; er dominiert und reduziert den Ausdrucksreichtum der gesamten Szene.
Tipp #4 – Denken Sie an vertikale Linien
Die entgegengesetzte Position besteht darin, das Bild mithilfe von Vertikalen mit Dynamik zu sättigen. Dieselbe Waldlandschaft kann auch anders fotografiert werden: Statt ein weites Panorama mit Horizont einzufangen, kann man neben einem einzelnen Baum stehen. Es wird die dominierende, große vertikale Linie sein und dazu beitragen, das Gefühl des Gemäldes völlig zu verändern.
Dieses Prinzip funktioniert effektiv bei der Aufnahme von Wolkenkratzern. Wenn mehrere Gebäude zusammen mit der Skyline zu einer weicheren Komposition kombiniert werden, vervielfacht die Vergrößerung der Vertikalen ihre Wirkung, es wirkt wie eine Explosion. Um den Effekt zu erzielen, müssen Sie sich den Wolkenkratzern nähern und einzelne Gebäude von unten fotografieren.
von Andreas Pähge
Tipp Nr. 5 – Verwenden Sie Leerzeichen
Der leere Raum im Rahmen ist eine sehr „szenische“, schöne und effektive Technik, die häufig in der Fotografie verwendet wird. Menschen, die mit den Grundprinzipien der Fotografie nicht vertraut sind, neigen oft dazu, die gesamte Szene mit Objekten zu füllen. Dadurch wird das Bild übermäßig unübersichtlich und nicht sehr gut. Haben Sie keine Angst vor Leerräumen um ein wichtiges Motiv im Bild – nutzen Sie es als leistungsstarkes visuelles Werkzeug.
Tipp #6 – das Prinzip der Isolation
Eine ähnliche Methode wie die vorherige besteht darin, ein Objekt hervorzuheben, es zu isolieren und die Aufmerksamkeit des Betrachters nur darauf zu richten. Die meisten Menschen, die „einfach so“ fotografieren, fotografieren alles, was in den Rahmen passt, ohne an einzelne Elemente zu denken. Gehen Sie noch einen Schritt weiter: Wählen Sie ein Objekt oder Thema aus und isolieren Sie es von seiner Umgebung – gehen Sie näher heran, ändern Sie Ihre Position, verringern Sie die Schärfentiefe.
Es ist wichtig, dass der Hintergrund nicht überfüllt ist; es sollte mehr Leerraum darauf geben. Das kann ein blauer Himmel sein (der gut zur Geltung kommt, wenn man von unten fotografiert) oder monochrome Flächen.
Tipp Nr. 7 – Fotografieren bei Sonnenuntergang und Sonnenaufgang
Einer der nützlichsten Grundtipps zur Verbesserung der Qualität Ihrer Fotos ist das Fotografieren bei Sonnenuntergang und Sonnenaufgang. Bis Sie Ihre Basis und Erfahrung „aufgebaut“ haben, wird dieser Trick Ihre magische Lebensader sein. Wenn die Sonne tief am Horizont steht, ist die Straßenlaterne klar und der Himmel schimmert in angenehmen Farbtönen und glänzt. Bei Sonnenuntergang und Sonnenaufgang ist es schwieriger, keine schöne Landschaft einzufangen, als umgekehrt.
von Fabio Montanari
Versuchen Sie, tagsüber und morgens mehr zu fotografieren. Das Fotografieren, wenn die Sonne direkt über dem Kopf steht, ist keine Aufgabe für Anfänger und erzeugt harte, kontrastreiche Schatten, mit denen Sie arbeiten müssen, wenn beispielsweise zusätzliche Ausrüstung erforderlich ist. (Warum alle Fotografen einen Reflektor benötigen, wissen wir bereits.) Eine helle Deckenbeleuchtung verbessert sicherlich die Details und eignet sich hervorragend für die Aufnahme bestimmter Szenen, aber das ist ein Thema für eine andere, umfassendere Diskussion.
In diesem Artikel führt Sie Miguel durch den unterhaltsamen Prozess der Outdoor-Porträtfotografie mit kleinem Budget und gibt Ihnen Tipps zum Fotografieren. Diese tollen Tipps zeigen Ihnen, dass Sie keine teuren Objektive, Reflektoren oder künstliches Licht benötigen, um atemberaubende Porträts zu erstellen. Alles, was Sie brauchen, ist eine zweite Person zum Fotografieren, eine Kamera, ein Objektiv und etwas frische Luft.
Einführung
Diese Porträtserie wurde kürzlich von einem Kunden als Werbeaufnahmen für sein Solomusikprojekt in Auftrag gegeben. Der Kunde wollte nicht, dass die Aufmerksamkeit auf dem Foto auf ihn gerichtet wird. Er wollte, dass das Foto so natürlich und natürlich wie möglich aussieht.
Verwendete Ausrüstung und Requisiten
- Canon 400D Digital SLR 18–55 mm Objektiv-Set. Natürlich ist eine Spiegelreflexkamera vorzuziehen, in unserem Fall kann aber auch jede Digitalkamera geeignet sein, die über eine manuelle Belichtungseinstellung verfügt.
- Ein Satz zusätzlicher Wechselkleidung. Das wird eine sehr kluge Entscheidung sein. Erstens haben Sie mehr Abwechslung. Zweitens können Sie Ihre Kleidung an Orten wie Wäldern und Feldern in nur 15 Minuten schmutzig machen, sodass zusätzliche Jeans nicht schaden können. Verschiedene Outfits tragen dazu bei, eine Reihe abwechslungsreicher Fotos zu erstellen, die dem Kunden als Bonus oder Geschenk angeboten werden können.
- Adobe Photoshop für die Fotonachbearbeitung.
Schritt 1: Wählen Sie die richtige Zeit und die richtigen Wetterbedingungen
Ob Sie es glauben oder nicht, ein sonniger Tag ist beim Fotografieren von Porträts eine Nervensäge. Man sieht ein Model, das in der Sonne blinzelt, einen weniger attraktiven Hautton und unglaublich schwierige Belichtungseinstellungen. Das Ergebnis sind entweder zu dunkle Schattenbereiche oder zu helle, hell erleuchtete Bereiche. Das ist ein Albtraum!
Etwas gedämpftes und verwaschenes Licht kann noch besser sein, und selbst wenn das Foto langweilig aussieht, können Sie später in Photoshop immer noch die nötigen Filter hinzufügen. Allerdings ist es nahezu unmöglich, stark abgedunkelte oder überbelichtete Fotos zu korrigieren.
Eine ausgezeichnete Zeit zum Fotografieren ist sehr früh am Morgen (nicht lange nachdem die Sonne herauskommt) und für die Faulenzer kurz vor Sonnenuntergang. Dieser Zeitraum ist am besten der Mittagszeit vorzuziehen, wenn die helle Sonne schwierige Bedingungen für das Fotografieren schafft. Bei Sonnenaufgang oder Sonnenuntergang erzeugen die Sonnenstrahlen wunderschöne lange Schatten. Die Zeit des Sonnenuntergangs vergeht viel schneller als Sie denken, Sie sollten also sehr schnell sein. Befolgen Sie eine einfache Regel: Beginnen Sie etwa eine oder zwei Stunden vor Sonnenuntergang mit dem Fotografieren. Dieses Fotoshooting fand Anfang August zwischen 17:30 und 19:30 Uhr in Großbritannien statt.
Schritt 2 Kameraeinstellungen
Für die überwiegende Mehrheit der Fotos stelle ich den Modus auf Av ein, wodurch die Verschlusszeit automatisch angepasst wird, um die Blende zu kalibrieren. In diesem Modus erhalten Sie selbst bei einer sehr großen Blende von 5,6 immer noch eine gute, scharfe Fokussierung und stellen möglicherweise fest, dass die Verschlusszeit (Verschlusszeit) bei etwa 1/30 liegt.
Wenn die Verschlusszeit bei großer Blende jedoch zu langsam ist, müssen Sie möglicherweise den ISO-Wert erhöhen. Sie wissen vielleicht, dass eine zu starke Erhöhung des ISO-Werts zu körnigen Bildern führt.
Viele Leute würden die Verwendung eines Stativs empfehlen, aber ich persönlich denke, dass die Verwendung eines Stativs den Prozess der Naturfotografie verlangsamt. Idealerweise sollten Sie ständig in Bewegung und kreativ sein. Von einer Szene zur nächsten zu wechseln, was mit einem Stativ sehr schwierig ist. Sie müssen ein hohes Tempo einhalten, eine positive Atmosphäre schaffen und viel mit Ihrem Model kommunizieren.
Warnen Sie Ihr Modell, wenn Sie fotografieren, um unnötige unscharfe Fotos zu vermeiden.
Ein weiterer wichtiger Punkt, auf den ich hinweisen möchte, ist, dass die automatische Belichtungsmessung (ob Verschluss, Blende oder Vollautomatik) das Foto zu hell macht. Wenn Sie die Möglichkeit haben, die Belichtung um einige Stufen zu verringern, erhalten Sie ein ausgewogeneres Foto. Leicht schattige Bereiche lassen sich leichter restaurieren als zu helle Bereiche.
Schritt 3 Sonnenstrahlen
Vor Sonnenuntergang können Sie im Wald Lichtflecken auf dem Boden entdecken, die durch die durch die Bäume strömenden Sonnenstrahlen entstehen. Oben wurde bereits erwähnt, dass die Schatten bei Sonnenuntergang länger werden, was Sie in Ihrer Komposition nutzen können.
Stellen Sie Ihr Objektiv auf einen Weitwinkel ein und senken Sie die Kamera leicht in Richtung Boden. Dadurch wird die Länge des Schattens hervorgehoben, wie im Bild unten gezeigt. Mit hellen Lichtern und langen Schatten lassen sich sehr beeindruckende Konzepte erstellen. Indem Sie ein Modell vor dem Hintergrund der warmen Sonne fotografieren, können Sie Lichtränder um die Figur erzeugen und so dem Bild einen interessanten Effekt verleihen.
Schritt 4 Haben Sie keine Angst vor den dunklen Seiten
In Bereichen, in denen das Laub etwas dichter ist, dringt weniger Licht ein, Sie können das Modell jedoch so positionieren, dass ein kleiner Bereich durchdringender Strahlen einen bestimmten Teil des Körpers beleuchtet. Die folgende Abbildung zeigt, wie eine Person positioniert ist. Ein kleiner Teil des Körpers wird hervorgehoben, wodurch Ihr Blick genau auf diese Stelle gelenkt wird, da sie im Kontrast zum dunklen Hintergrund heller und auffälliger ist.
Schritt 5 Versuchen Sie, der Komposition Tiefe zu verleihen
Beim Erstellen eines Fotos denke ich zunächst darüber nach, wie ich der Komposition Tiefe verleihen kann. Zusätzlich zum Hintergrund können Sie versuchen, das zu verwenden, was sich vor dem fotografierten Objekt befindet. In diesem Fall können Sie Laub als Bildkomposition verwenden. Probieren Sie es aus!
Schritt 6 Setzen Sie den Fokus kreativ ein
Dieser Schritt geht Hand in Hand mit dem vorherigen. Sie können mit der Fokussierung auf den Vordergrund, den Hintergrund und die Mitte experimentieren. Probieren Sie es aus und Sie werden vom Ergebnis angenehm überrascht sein. Dies wird einige Ihrer Fotos abwechslungsreicher und interessanter machen, und ich denke, Sie werden mir zustimmen, denn in unserem Fall ist das Modell nicht das Hauptelement, sondern ergänzt nur die Komposition.
Schritt 7 Experimentieren Sie mit leichten Kamerawinkeln.
Dies kann das Aussehen Ihres Fotos sofort verändern und ihm Dynamik verleihen.
Schritt 8 Haben Sie keine Angst vor hellen Strahlen
Es wurde bereits erwähnt, dass man keine Angst vor den dunklen Seiten haben sollte. Dasselbe gilt auch für die positiven Seiten. Sie können die Person so positionieren, dass die Hälfte ihres Gesichts von der Sonne beleuchtet wird und so Highlights entstehen. Gegen ein kleines Highlight ist nichts einzuwenden, aber vernachlässigen Sie es nicht zu sehr, nutzen Sie diese Technik bitte in Maßen! Dieses Leuchten kann einen verträumten und warmen Vintage-Effekt erzeugen.
Schritt 9 Ein niedriger Winkel kann Ihre Figur gut hervorheben
Auf diesem Foto habe ich versucht, das Modell zu fokussieren und hervorzuheben. Dank der Positionierung der Kamera von unten konnte ich den oberen Stamm des Baumes einfangen, der sich perfekt in die Gesamtkomposition einfügt. Von unten fotografiert wirkt die Person meist bedrohlich und gebieterisch. Auf diese Weise können Sie beim Fotografieren einer großen Person ihre Körpergröße optisch reduzieren, und im Gegenteil, wenn Sie eine kleine Person fotografieren, können Sie sie größer machen.
Schritt 10 Manche Schwarzweißfotos sehen besser aus als Farbfotos
Ein farbloses Bild scheint einem Foto das Leben auszusaugen. In Photoshop können Sie ein Bild entsättigen und dann subtile Farbtöne hinzufügen. Dadurch wird Ihr Foto künstlerischer. Wie unten gezeigt, wurde ein Farbfoto in Schwarzweiß umgewandelt, wodurch kühle und dunkle Töne entstanden sind.
Schritt 11 Nachbearbeitung
Jetzt zeige ich Ihnen, wie Sie Ihre Bilder ganz einfach bearbeiten können. Wir werden diese Fotos, die wir gerade aufgenommen haben, als Beispiel verwenden. Ich zeige Ihnen die Methoden, die ich selbst angewendet habe, bevor ich die Fotos dem Kunden übergeben habe.
Als Erstes müssen Sie also die Ränder des Bildes zuschneiden (natürlich, wenn dies in Ihrem Fall erforderlich ist). Als nächstes müssen Sie eine Kopie der Hauptebene erstellen, damit Sie jederzeit zum Original zurückkehren können, auch wenn Sie Einstellungsebenen verwenden.
Schritt 12
Möglicherweise müssen Sie den Kontrast mithilfe einer Kurvenanpassungsebene anpassen. In unserem Fall müssen wir dem Foto Wärme verleihen. Dazu müssen Sie einen Farbverlauf hinzufügen. Erstellen Sie eine Einstellungsebene für die Verlaufskarte und wählen Sie warme, sonnige Farben aus.
Schritt 13
Passen Sie die Transparenz der Verlaufskartenebene auf etwa 30 % an. Jetzt sind die Farben weicher geworden und es entsteht der Effekt eines alten Fotos.
Schritt 14
Erstellen Sie eine neue Einstellungsebene „Kurven“ und passen Sie die Kurven so an, dass die Töne dunkler werden. Stellen Sie den Mischmodus dieser Ebene auf „Leuchtkraft“ ein.
Schritt 15
Sie müssen die Ränder abdunkeln, um die Aufmerksamkeit der Leute auf die Mitte des Fotos zu lenken. Erstellen Sie dazu eine neue leere Ebene, füllen Sie sie mit Schwarz und beginnen Sie dann mit dem Radiergummi-Werkzeug mit weichen Kanten und einer Transparenz von etwa 20 %, den Bereich in der Bildmitte zu löschen. Ich rate Ihnen, die Bereiche im Bereich der Lichtquellen immer zu löschen, da eine Person sonst sehr leicht den Verdunkelungseffekt bemerken wird, der nicht sehr gut ist. In diesem Fall ist es die Sonne.
Schritt 16
Stellen Sie die Deckkraft der Füllebene auf etwa 15 % ein, da dieser Effekt besser aussieht, wenn er subtil ist. Das Layout der Ebenen sollte in etwa wie im Bild unten aussehen.
Schritt 17
Jetzt können Sie alle Ebenen zusammenführen und ein paar Details hinzufügen. Gehen Sie dazu in die Symbolleiste und wählen Sie Filter -> Scharfzeichnen -> Scharfzeichnen.
Das ist es! Sie können das Bild speichern. Ich empfehle übrigens, dies als Vorlage im PSD-Format zu speichern. Fügen Sie auf diese Weise einfach weitere Fotos hinzu und passen Sie sie leicht an. Glauben Sie mir, Sie werden eine Menge Zeit sparen.
Abschluss
Hier sind noch einige weitere Tipps, die ich Ihnen zum Abschluss geben werde.
- Nehmen Sie eine Ersatzspeicherkarte mit.
- Denken Sie daran, das Wichtigste ist, Spaß zu haben und eine gute Beziehung zu Ihrem Model aufzubauen. Wenn ein Fremder nicht mit Ihnen kommuniziert und Spaß hat, sinkt die Qualität der Fotos merklich.
- Kennen Sie Ihre Kamera! Sie müssen das Handbuch Ihrer Kamera vollständig studieren und alle Aufnahmemodi kennen.
- Kennen Sie die Grundlagen der Fotografie. Die Herrschaft der Schatten und das Wissen, was die Belichtung beeinflusst.
- Verzichten Sie auf den Einsatz von Effekten. (z. B. Sepia- oder Schwarzweißeffekte). Sie können diese Effekte in Photoshop jederzeit mit hundertmal mehr Kontrolle durchführen, aber es ist unmöglich, die ursprünglichen Farben wiederherzustellen.
- Wenn Sie kein Photoshop haben, aber eine weiche, warme Farbe erzeugen möchten, können Sie einen kleinen Trick anwenden. Tragen Sie beim Filmen Ihre Sonnenbrille.
Artikeltext aktualisiert: 01.02.2019
Wenn Sie sich eine Foto-Website ansehen, werden Sie feststellen, dass ein großer Teil davon für die Diskussion technischer Aspekte aufgewendet wird. Themen rund um das Erlernen schöner Fotos werden in der Regel nicht so ausführlich behandelt. Und mein Blog ist keine Ausnahme: Sehen Sie sich zumindest unten auf der Seite die Liste der am häufigsten kommentierten Artikel an. Heute versuche ich, dieses Manko ein wenig auszugleichen: Ich mache Sie auf 52 Übungen für Hobbyfotografen aufmerksam, die lernen möchten, wie man schöne Fotos macht.
- Wie man die Fähigkeiten entwickelt, einen schönen Rahmen zu sehen.
- Aufgabenliste für den praktischen Unterricht.
- Beispiele für Übungen des Meisters der Straßenfotografie Alexander Petrosyan.
So verbessern Sie Ihre fotografischen Fähigkeiten
Wir haben dies bereits in mehreren Foto-Tutorials im Abschnitt „Fotodetail“ besprochen. Es gibt keinen anderen Weg, schöne Aufnahmen zu lernen, als dem folgenden Lernalgorithmus zu folgen:
- Kaufen Sie ein Lehrbuch über Fotografie und lesen Sie es sorgfältig durch.
- Nehmen Sie die Kamera und die Anweisungen, ohne sie loszulassen, studieren Sie den Talmud und prüfen Sie sofort in der Praxis, wie diese oder jene Einstellung funktioniert.
- Gehen Sie nach draußen und machen Sie so viele Fotos wie möglich.
- Analysieren Sie die Stärken und Schwächen der resultierenden Bilder.
- Nehmen Sie neues Filmmaterial auf und berücksichtigen Sie dabei die festgestellten Fehler.
- Sehen Sie, wie viele weitere Fotografien und Gemälde von Meistern. Ich versuche zu verstehen, warum ihre Fotos eingängig sind. Schießen Sie auf die gleiche Weise.
Gepostet in einem Testbericht zur spiegellosen Sony A6000-Kamera mit Beispielen von Bildern, die mit verschiedenen Objektiven aufgenommen wurden. Dies sind Tipps für die Punkte Nr. 4 und Nr. 5 des oben beschriebenen selbstlernenden Algorithmus. Und heute beschäftigen wir uns mit dem Thema „Was man fotografieren muss, um professionell fotografieren zu lernen.“ Es ist kein Geheimnis, dass wir uns manchmal in einer Situation befinden, in der wir gerne üben würden, schöne Fotos zu machen, aber keine Ahnung haben, was wir fotografieren sollen.
Fotografie-Übungen für Anfänger
Bevor wir uns mit den Aufgaben vertraut machen, möchte ich Ihnen erzählen, wie die im heutigen Foto-Tutorial vorgestellten Fotos entstanden sind. Sie wurden mir von einem langjährigen Leser der Website, Pavel Chertalev aus St. Petersburg, geschickt, der seit langem mein Freund ist. Im Bereich „Fotodetail“ sind verschiedene Optiken und beschnittene Optiken zu sehen, auf die er vor etwa einem Jahr umgestiegen ist.
Zwischendurch besaß er diese professionellen Kameras und kaufte eine alte gebrauchte Nikon D40 DSLR, die im November 2006, also vor 12 Jahren, auf den Markt kam. Ich hoffe, dass nach dem Ansehen der heutigen Lektion niemand daran zweifeln wird, dass man lernen kann, wie ein Profi zu fotografieren, nicht nur mit einer teuren Kamera, sondern auch mit einem alten, sehr günstigen Set. Heute liegt der Durchschnittspreis für das „Avito“-Modell Nikon D40 bei 4-5.000 Rubel (67-83 USD).
Alle Beispielbilder wurden ohne Blitz mit einem Nikon 35mm f/1.8G Festbrennweitenobjektiv aufgenommen.
Alle Fotos in diesem Foto-Tutorial wurden im RAW-Format aufgenommen, im Editor „Capture NX 2“ bearbeitet, in „Photoshop“ angepasst und mit der Funktion „C3C Image Size“ auf die Größe der Website (1400 px an der Längsseite) verkleinert. Plugin, über das ich im Artikel darüber gesprochen habe, wie ich meine Fotos verarbeite.
Pavel nannte die Fotoserie, die wir sehen werden, „IKEA Beauty“, aber im Kontext der heutigen Lektion zu Aufgaben zum Training fotografischer Fähigkeiten würde ich sie „Parallel Rows“ nennen. Rhythmus in der Fotografie.
Ich stelle fest, dass die unten vorgestellten Übungen nicht von mir erfunden wurden – ich habe sie auf englischsprachigen Fotoseiten gesammelt. Es würde mich nicht wundern, wenn einige von Ihnen sie bekannt finden würden. Ich hoffe, sie helfen jemandem dabei, zu lernen, wie man schöne Fotos macht.
Eine Übungssammlung soll den praktischen Unterricht das ganze Jahr über abrunden: eine Woche pro Aufgabe. Allerdings hindert Sie natürlich niemand daran, einen „Crashkurs“ zu absolvieren.
Alle Übungen sind in drei Kategorien unterteilt:
- Fotostory. Wie die Profis sagen: „Ein guter Fotograf kann ein schönes Foto von etwas machen.“ Ein großartiger Fotograf kann ein Foto machen, das eine Geschichte erzählt!“ Die Übungen in diesem Abschnitt zwingen den Amateurfotografen nicht nur dazu, nach etwas Schönem zu suchen, sondern auch zu versuchen, einen Weg zu finden, die Geschichte einer Person zu erzählen.
- Wir verbessern unsere technischen Fähigkeiten. Die Möglichkeit, eine Kamera richtig einzurichten und Bilder richtig zu verarbeiten, ermöglicht es Ihnen, die Kreativität eines Amateurfotografen einzuschränken.
- Künstlerischer Ausdruck. Nachdem Sie fotografische Fähigkeiten entwickelt und die Kamera beherrscht haben, können die Aufgaben in diesem Abschnitt im Gegensatz zu den ersten beiden Kategorien nicht wörtlich, sondern im übertragenen Sinne verstanden werden. Hier gibt es viel Raum für Kreativität. Sie müssen Ihr „Ich“ auf Ihre eigene Weise ausdrücken.
Pavels Fotos passen nicht zum Text (in dem Sinne, dass sie nur ein Beispiel für die Ausführung einer Übung sind: „Rhythmen“). Ich poste sie, damit es nicht langweilig wird, den bloßen Text zu lesen.
Übung 1.
Lass uns eine Geschichte erzählen.
Drittelregel.
Die Drittelregel (oder „Goldener Schnitt“) ist eine der ersten Kompositionsregeln, mit denen sich die meisten Fotografen vertraut machen. Aber sie verstehen nicht immer, warum sie es brauchen. Die Drittelregel eignet sich hervorragend, um eine Fotostory in einem Rahmen zu erzählen. Erzählen Sie eine Geschichte nach der Drittelregel.
Aufgabe 2.
Technische Lektion.
Filmen mit der Kamera JPEG .
Wir fotografieren und bekommen gute Fotos direkt aus der Kamera. Wir verwenden weder Lightroom noch Photoshop. Wir machen ein wunderschönes Foto, das ohne Bearbeitung in einem externen Editor von hoher Qualität sein sollte.
Übung 3.
Kunstunterricht.
Erde.
Unsere Inspiration ist dieses Mal die Erde. Es könnte sich um eine Landschaft oder ein Foto handeln, das auf irgendeine Weise die Erde darstellt.
Aufgabe 4.
Fotostory.
Spiegel.
Erzählen Sie eine Geschichte mithilfe eines Spiegels oder einer Spiegelung.
Übung 5.
10 Bilder.
Sie müssen dasselbe Objekt auf zehn verschiedene Arten fotografieren. Jede Aufnahme sollte aus einem anderen Winkel und einer anderen Entfernung oder Brennweite gemacht werden.
Aufgabe 6.
Künstlerische Übungen.
Süßigkeiten.
Zeigen Sie auf dem Foto Süßigkeiten, Kuchen und andere süße Speisen so, dass Sie sie wirklich essen möchten.
Übung 7.
Fotostory.
Vergessen.
Sie müssen die Geschichte von etwas erzählen, das im Bild vergessen wurde.
Übung 8.
Technische Ausbildung.
Ein Schuss.
Wir müssen uns vorstellen, dass wir in unserer Kamera nur Platz für ein Foto haben. Deshalb können wir in dieser Übung nur ein Bild aufnehmen. Sie können beschädigte Bilder nicht löschen und kein zweites Foto machen. Das Wichtigste ist, die Szene sorgfältig zu untersuchen, nachzudenken und aus einem Bild ein Meisterwerk zu machen.
Aufgabe 9.
Eine künstlerische Übung.
Stillleben.
Wir trainieren, ein Stillleben aus mehreren Objekten zu fotografieren.
Übung 10.
Fotostory.
Wir arbeiten mit Perspektive.
Perspektive ist die Interaktion zwischen Objekten in einer Szene. Wenn wir die Perspektive zeigen wollen, ist eine Möglichkeit die Verwendung eines langen Objektivs.
Übung 11.
Entwicklung technischer Fähigkeiten.
Separate Tönung.
Beim separaten Tonen handelt es sich um eine Methode zur Bearbeitung eines Fotos in einem Editor, bei der die Schatten und Lichter mit unterschiedlichen Farben getönt werden. Schatten werden in einer Farbe gemalt, helle Bereiche in einer anderen. Split-Toning wird oft in Verbindung mit der Tonperspektive verwendet, um einer Szene das gewünschte Aussehen und Gefühl zu verleihen.
Übung 12.
Künstlerisch.
Orange Stimmung.
Diese Woche fotografieren wir entweder etwas Orangefarbenes, eine Orange (weil es orange ist) oder beides.
Übung 13.
Fotostory.
„Goldene Stunde“ der Fotografie.
„Goldene Stunde“ ist die Zeit vor Sonnenuntergang oder nach Sonnenaufgang, in der die Sonne die Erde in einem angenehm sanften goldenen Farbton erleuchtet. Wir müssen einen Weg finden, die goldene Stunde zu nutzen, um die Geschichte zu erzählen.
Aufgabe 14.
Technische Ausbildung.
Schießen mit Verkabelung.
Schwenken (Schwenken) dient der Bewegungsvermittlung beim Fotografieren bewegter Objekte. Bei der Aufnahme müssen wir eine lange Verschlusszeit verwenden und gleichzeitig das Objektiv hinter das Motiv bewegen.
Übung 15.
Künstlerische Fähigkeiten.
Solide.
Diese Woche muss ich etwas Solides fotografieren.
Aufgabe 16.
Fotostory.
Führende Linien.
Leitlinien sind ein sehr wichtiges Kompositionselement für jeden Fotografen, der ein Meister werden möchte. Wir verwenden Leitzeilen, um die Geschichte zu erzählen.
Übung 17.
Technische Ausbildung.
Anziehungspunkt.
Verwenden Sie eine Vignette oder ein Highlight, um den Blick des Betrachters auf sich zu ziehen. Szenen, in denen ein heller Fleck Aufmerksamkeit erregt.
Übung 18.
Künstlerisch.
Lila Farbe.
Dieses Mal fotografieren wir alles, was mit der Farbe Lila zu tun hat.
Aufgabe 19.
Fotostory.
Hinterhof.
Wir versuchen, eine Fotostory über unsere Umgebung zu erzählen. Es kann ein Einblick in unser tägliches Leben sein.
Aufgabe 20.
Technische Ausbildung.
Himmel.
In dieser Trainingseinheit werden wir den Himmel fotografieren. Sie müssen in Photoshop trainieren, den Himmel durch ein anderes Bild des Himmels zu ersetzen, wenn er sich als uninteressant herausstellt.
Übung 21.
Künstlerische Fähigkeiten.
Weich.
Früher haben wir etwas Hartes fotografiert, jetzt fotografieren wir etwas Weiches. Sie können es interpretieren, wie Sie möchten.
Aufgabe 22.
Fotostory.
Geometrische Formen.
Wir fotografieren alles, was Dreiecke, Quadrate und Kreise darstellt. Sie alle sind strenge kompositorische Elemente im Bild. Wir müssen einen Weg finden, geometrische Formen für unsere Fotostory zu verwenden.
Übung 23.
Technische Fähigkeiten. f/8,0
Porträt.
Nehmen Sie ein Porträt mit einer Blende von f/8 auf. Da wir eine geschlossene Blende haben, müssen wir bedenken, dass wir das Motiv auf andere Weise isolieren müssen, als den Hintergrund unscharf zu machen.
Aufgabe 24.
Künstlerisch.
Grün.
Grün ist die Farbe der Natur, die Farbe des Lebens und der Hoffnung.
Übung 25.
Fotostory.
Geschichte des Spielzeugs.
Sie müssen die Geschichte von Spielzeug oder über Spielzeug erzählen.
Übung 26.
Technische Fähigkeiten.
Zeichnen mit Licht.
Wir stellen die Kamera nachts auf ein Stativ, öffnen den Verschluss für 30 Sekunden und zeichnen unser Motiv mit einer Taschenlampe. Sie können Fotoblitze, LED-Leuchten und sogar Laserpointer verwenden.
Übung 27.
Künstlerische Fähigkeiten.
Kommunikation.
Wir leben im 21. Jahrhundert, in dem Kommunikationstechnologien unser Leben stark beeinflussen. In dieser Übung müssen Sie das Vorhandensein oder Fehlen von Kommunikation zwischen Menschen zeigen.
Aufgabe 28.
Fotostory.
Porträt als Landschaft.
Wir fotografieren ein Porträt vor dem Hintergrund einer Landschaft, das heißt, wir müssen die Umgebung unseres Motivs sehen.
Übung 29.
Technisch.
Wassertropfen.
Fotografieren von Wassertropfen. Es ist eine Mischung aus Beleuchtung, Makrofotografie und Geduld. Es gibt viele Möglichkeiten, das Filmen zu genießen.
Übung 30.
Künstlerische Fähigkeiten.
Familie.
Ein Familienporträt machen. Um die Aufgabe zu erschweren, fotografieren wir ein Familienporträt ohne Personen im Bild.
Übung 31.
Fotostory.
Rahmen.
Ein weiteres klassisches Kompositionswerkzeug ist das Platzieren eines Objekts in einem Rahmen. Wir nutzen diese Technik, um unsere Geschichte zu erzählen.
Aufgabe 32.
Technische Ausbildung.
HDR .
HDR ist eine Technik, die mehrere Bilder kombiniert, die mit unterschiedlichen Belichtungen aufgenommen wurden. Das Ergebnis ist ein einzelnes Bild mit einem großen Dynamikbereich.
Aufgabe 33.
Künstlerische Fähigkeiten.
„High Key“
Wir fotografieren ein Porträt im „High Key“-Stil.
Übung 34.
Fotostory.
Fremder.
Erzählen Sie die Geschichte eines Fremden. Wir versuchen, die Umgebung zu nutzen, um dem Betrachter seine Geschichte zu zeigen.
Übung 35.
Wir schulen technische Fähigkeiten.
Das Panorama zusammenfügen.
Wir nehmen mehrere vertikale Bilder auf und fügen sie in Photoshop oder einem anderen Editor zu einem Panorama zusammen.
Übung 36.
Künstlerische Fähigkeiten.
"Zurückhaltend"
Low Key ist das Gegenteil von High Key. Wir machen Bilder, bei denen der größte Teil des Tonwertbereichs auf der linken Seite des Histogramms liegt.
Übung 37.
Fotostory.
Gleichgewicht.
Balance ist eine Kompositionstechnik, bei der jeder Teil der Szene durch sein Gewicht ausgeglichen wird. Ausgewogenheit kann durch Farbe, Ton oder die Platzierung von Objekten erreicht werden.
Übung 38.
Wir schulen technische Fähigkeiten.
50 mm.
Wir fotografieren eine ganze Woche lang nur mit der 50-mm-Brennweite. Sie können entweder mit einem festen Objektiv fotografieren oder unser Zoomobjektiv mit einer Brennweite von 50 mm mit Klebeband befestigen.
Übung 39.
Kunstunterricht.
Wasser.
Wir haben die ganze Woche alles rund ums Wasser fotografiert.
Aufgabe 40.
Fotostory.
Farbiges Schwarz-Weiß-Foto.
Die Geschichte der Farbszene muss erzählt werden. Blumen können nicht im Rahmen dargestellt werden. Und Sie müssen in Schwarzweiß fotografieren.
Übung 41.
Technische Ausbildung.
Levitation.
Levitation ist ein Trick, der teilweise mit einer Kamera und teilweise mit Photoshop durchgeführt wird. Diesmal versuchen wir, zu schweben.
Aufgabe 42.
Kunstausbildung.
Musik.
Unter der Woche fotografieren wir Musik oder Musiker mit einem Weitwinkelobjektiv.
Übung 43.
Fotostory.
Bewegung.
Die Bewegung in einem Rahmen in einem eingefrorenen Foto zu vermitteln, ist für jeden Fotografen eine schwierige Aufgabe. Nutzen Sie diese Woche Bewegung, um eine Fotostory zu erzählen.
Übung 44.
Technische Ausbildung.
Magisch ND -Filter.
Für die Fotografie verwenden wir einen ND-Filter und eine lange Verschlusszeit von 30 Sekunden oder länger. Wir versuchen, Wasserfälle oder sogar Straßen zu fotografieren, um ein geheimnisvolles Foto zu machen.
Übung 45.
Künstlerische Fotografie.
Kalt.
Sie müssen eine Fotostory zeigen, bei der Sie die Kälte spüren können, die vom Rahmen ausgeht.
Übung 46.
Fotostory.
Vordergrund der Landschaft.
Viele Geschichten drehen sich um Porträts, aber auch Landschaften können eine Geschichte erzählen. Erzählen Sie die Geschichte einer Landschaft, indem Sie den Vordergrund als Motiv und den Hintergrund als Bühne verwenden.
Übung 47.
Technische Ausbildung.
Figuriertes Bokeh.
Lesen Sie, wie Sie innerhalb einer Woche Herzen und Sterne im Bokeh basteln und ein interessantes Foto erstellen.
Aufgabe 48.
Kunstausbildung.
Körperlandschaft .
Wir müssen Landschaften aus menschlichen Körpern fotografieren. Beispiele finden Sie bei Carl Warner.
Übung 49.
Fotostory.
„Blaue Stunde“.
Die blaue Stunde ist eine Stunde nach Sonnenuntergang und eine Stunde vor Sonnenaufgang, wenn der Himmel von Blau oder Violett dominiert wird. Erzählen Sie diese Woche damit eine Fotostory.
Aufgabe 50.
Technische Ausbildung.
Vollständige Bearbeitung.
Nehmen Sie das Foto aus der ersten Übung auf und bearbeiten Sie es in Photoshop.
Aufgabe 51.
Künstlerische Fähigkeiten.
Furcht.
Finden Sie einen Weg, die Angst so darzustellen, dass der Betrachter sie spüren kann.
Übung 52.
Fotostory.
Deine Fotostory.
Erzählen Sie Ihre Fotostory.
38. Fotografie. Training für Einsteiger-Amateurfotografen. Hinten zur Verbesserung der Fähigkeiten. 1/40, 1,8, 400, 35.
Bevor Sie mit den oben aufgeführten Übungen beginnen, empfehle ich Ihnen, sich mit den Werken der Straßenfotografen Dmitry Zverev (auf Facebook – DimaZverev) und Alexander Petrosyan (auf Facebook – YanPetros) vertraut zu machen. In ihren Fotoreportagen sehen Sie Beispielbilder, die bei der Erledigung von Aufgaben entstanden sein könnten. Um darüber hinaus Emotionen hinzuzufügen, die den Betrachter fesseln, nutzen beide Profis unter anderem die Schemata, die wir in der heutigen Fotolektion aufgelistet haben und die intensiv trainiert werden sollten:
- Kontext in den Bildern.
- Interaktion von Objekten in Fotografien.
- Den Hintergrund „kopieren“.
- Schock – ein Mann im Hintergrund.
Was versteht man unter Kontext und warum hat er einen so starken Einfluss auf die Wahrnehmung eines Fotos? Stellen Sie sich folgende Geschichte vor: Ein Mann mit zufriedenem Gesicht verlässt die Wohnung und schließt die Tür hinter sich. Da ist ein Lächeln, ein nachdenkliches, verträumtes Gesicht – Emotionen, das Foto lässt einen nicht gleichgültig. Jetzt - die gleiche Handlung, aber in der halboffenen Tür hinter dem Mann sieht man ein Mädchen in einem durchsichtigen Peignoir, das sich um ihn kümmert... Sie müssen zugeben, dass in Ihrem Kopf sofort eine eindeutige Karikatur darüber auftaucht, was vor dem Fotografen passiert ist habe diese Szene gefilmt! Wir verstehen, warum der Typ glücklich herauskam ... Noch schicker - im Türrahmen sieht man nur auf dem Boden verstreute Frauensachen und auf der Wange des Don Juan ist eine Spur Lippenstift ... Das ist der Kontext. Sowohl Alexander Petrosyan als auch Dmitry Zverev nutzen es aktiv.
Interaktion im Bild – solche Profis haben viele Fotos in ihrem Portfolio, bei denen Vorder- und Hintergrundobjekte irgendwie miteinander verbunden sind. Sie existieren nicht separat.
„Hintergrund kopieren.“ Ich weiß nicht, wie ich es richtig ausdrücken soll. Wir sprechen von Szenen, in denen etwas im Hintergrund einem Objekt im Vordergrund ähnelt. Da ist zum Beispiel ein Mann mit üppigem Haar und hinter ihm ein riesiger Hund mit der gleichen üppigen Mähne ...
„Schock“ oder „absurd“ im Hintergrund. Nehmen wir an, zwei Oma-Hausmeister putzen morgens die Straße vor dem Hintergrund eines riesigen Werbeplakats, auf dem ein Mädchenmodel im Bikini zu sehen ist, das für BHs wirbt. Oder derselbe Alexander Petrosyan hat ein Foto, auf dem vorne ein lustiger Schneemann und dahinter Omas-Putzfrauen zu sehen sind ...
Hier ist eine Auswahl der besten Fotos von Alexander Petrosyan auf dem Blog des Reisenden Sergei Doli.
Kann man lernen, schöne Fotos zu machen, wenn der Fotograf kein Talent hat? Ich habe schon oft gesagt, dass es wahrscheinlich nicht möglich sein wird, internationale Wettbewerbe zu gewinnen, aber man kann das Niveau seiner Arbeit sehr, sehr deutlich verbessern, wenn man Aufgaben gezielt erledigt, Fehler analysiert und versucht, sie zu korrigieren, und man kann ein werden angesehene Person.
Sehen Sie sich übrigens an, wie Alexander Petrosyan seine Straßenfotos auf der Straße macht. Meiner Meinung nach macht er nichts Außergewöhnliches.
Video. Ratschläge für Fotografen zur Durchführung von Übungen zur Verbesserung ihrer Fähigkeiten am Beispiel der Arbeit von Alexander Petrosyan.
Ein weiteres Video mit einer Geschichte darüber, wie ein wunderschönes Foto der Abendstadt aufgenommen wurde. Alexander Petrosyan zeigt in der Praxis, wie umständlich es sein kann, wenn die Kamera keinen Klappbildschirm hat.
Video. Die Geschichte eines Frames. Ein Handbuch zur Durchführung von Übungen zum Selbststudium für Hobbyfotografen.
Nun, ich hoffe, ich habe deine Zeit nicht verschwendet. Jetzt gibt es etwas zu tun, und Sie wissen, wie Sie sich in einem Jahr zu einem professionellen Fotografen ausbilden können, der weiß, wie man eine Fotostory in einem Rahmen erzählt, seine Fotoausrüstung kennt, Editoren für die Bearbeitung von Fotos besitzt und diese nutzen kann Fähigkeiten, um Meisterwerke zu schaffen. Vielleicht fange ich nach dieser Lektion versehentlich an, mich weiterzubilden.
Die Qualität des Fotos hängt direkt vom Licht ab. Sie können ein schlechtes Foto von einem gut beleuchteten Objekt machen, aber bei schlechtem Licht werden Sie nie ein gutes Foto machen können.
Während der Aufnahme dringt Licht durch den sich öffnenden Kameraverschluss und das Objektiv, trifft auf den Sensor und erzeugt ein Bild. Wie genau das Licht eingefangen wird und wie das endgültige Foto aussehen wird, hängt von drei wichtigen Parametern ab, die das sogenannte Belichtungsdreieck bilden.
- Membran beeinflusst die Lichtmenge, die in das Objektiv eintritt. Sie wird anhand des Verhältnisses der Brennweite zur Größe der Blendenöffnung gemessen und mit f/2, f/5, f/11 usw. bezeichnet. Je niedriger der Blendenwert, desto mehr Licht ist im Bild. Diese Einstellung wirkt sich auch auf die Schärfentiefe aus.
- Auszug- Dies ist die Zeit, in der der Verschluss geöffnet bleibt. Gemessen in Sekunden (1/200 s, 1/60 s, 5 s usw.). Je länger die Verschlusszeit, desto mehr Licht ist vorhanden. Die Verschlusszeit wirkt sich auch auf die Klarheit bei der Aufnahme bewegter Objekte aus. Bei langen Verschlusszeiten sind sie unscharf, und mit einer kurzen Verschlusszeit können Sie auch sich schnell bewegende Objekte gut fotografieren.
- Lichtempfindlichkeit- Wie der Name schon sagt, beeinflusst dieser Parameter die Lichtempfindlichkeit des Kamerasensors. Gemessen in ISO-Einheiten (z. B. ISO 100, ISO 400, ISO 6400). Eine höhere Lichtempfindlichkeit ermöglicht Aufnahmen bei schlechten Lichtverhältnissen, verursacht aber gleichzeitig das Auftreten von Rauschen – der charakteristischen Körnigkeit des Bildes.
Die Essenz des Belichtungsdreiecks besteht darin, diese drei Aspekte der Aufnahme zu verstehen und die Parameter auszuwählen, die zur Situation und zu Ihrer Sicht auf das Bild passen.
2. Halten Sie Ihre Kamera richtig
Das nächste, was alle Anfänger lernen müssen, ist, wie man die Kamera so hält, dass das Verwackeln der Hand vermieden oder minimiert wird. Beim Fotografieren öffnet sich der Verschluss und Licht trifft auf den Kamerasensor. Bewegt man sich bei geöffnetem Verschluss, scheint sich der Lichtstrahl über den Sensor auszubreiten und die Fotos werden unscharf.
Je weniger Bewegung und Wackeln, desto klarer ist der Rahmen.
Professionelle Kameras hält man am besten mit einer Hand auf der Handfläche und dem Ellenbogen auf der Seite. Das Gleiche sollten Sie auch mit Ihrem Smartphone tun: Fassen Sie es mit beiden Händen fest und drücken Sie sie so nah wie möglich an Ihren Körper. Nun, wenn Sie bei schlechten Lichtverhältnissen oder mit langen Verschlusszeiten fotografieren, ist es besser, ein gutes Stativ zu verwenden.
3. Befolgen Sie die Drittelregel
Oft reicht ein Blick auf ein Foto, um zu erkennen, wer es aufgenommen hat – ein Anfänger oder ein erfahrener Fotograf. Profis schenken dem Rahmen viel Aufmerksamkeit, aber ein Anfänger wird durch dessen Fehlen sofort verraten.
Das einfachste Kompositionsprinzip ist die Einhaltung der Drittelregel. Sein Wesen liegt in der bedingten Teilung des Rahmens durch zwei horizontale und zwei vertikale Linien. Entlang dieser Linien oder an deren Schnittpunkt sollten Sie wichtige Elemente platzieren, auf die sich das Auge beim Betrachten des Fotos konzentrieren wird.
Fotografie.Medien Auf dem Foto oben befindet sich das Ufer in der Ferne entlang der oberen Linie des Rasters und ein einzelner Baum befindet sich genau im Fadenkreuz der vertikalen und horizontalen Linien. Hätte der Fotograf den Baum und die Uferlinie in der Bildmitte platziert, wäre das Foto nicht so interessant gewesen.
4. Ändern Sie Ihre Perspektive
Das Aufnehmen Ihres Motivs aus Augenhöhe ist der sicherste Weg, ein langweiliges Foto zu machen. Von diesem Punkt aus sehen wir die Welt jeden Tag.
Um ein wirklich interessantes Foto zu erstellen, müssen Sie lediglich Ihren Standpunkt ändern. Dazu benötigen Sie:
- Ändern Sie die Schusshöhe – nähern Sie sich dem Boden oder entfernen Sie sich davon;
- Ändern Sie den Winkel – schießen Sie streng gerade oder von der Seite;
- den Abstand ändern – näher kommen oder sich umgekehrt entfernen;
Das Schöne an diesen Tipps ist, dass sie sowohl einzeln als auch in jeder Kombination großartig funktionieren.
phonephotographyschool.com Ein aus menschlicher Höhe genommener Golfball würde Ihre Aufmerksamkeit nicht erregen. Aber das Foto vom Boden aus zieht die Blicke auf sich und zwingt dazu, jeden Grashalm zu untersuchen.
5. Vernachlässigen Sie die Nachbearbeitung nicht
Die Fotobearbeitung wird oft als eine radikale Veränderung der Originalfotos unter Verwendung leistungsstarker Filter und Effekte angesehen. Dieses Missverständnis hat einige Fotografen dazu veranlasst, die Retusche aufzugeben und sich auf „natürliche“ Fotos zu beschränken. Ihre guten Absichten sind lobenswert, aber sie verstehen einfach nicht, wie Kameras funktionieren.
Ob es Ihnen gefällt oder nicht, alle Kameras führen eine Bildnachbearbeitung durch. Die tatsächlichen Daten des Sensors werden in erfasst, aber was wir auf dem Bildschirm der Kamera oder des Smartphones sehen, ist die Interpretation der RAW-Daten durch das Gerät selbst. Gleichzeitig hat die Kamera nicht die geringste Ahnung davon, wie Sie dieses oder jenes Bild sehen. Warum also das Problem nicht beheben?
500px.com Nicht jede Nachbearbeitung besteht aus klebrigen, mit Photoshop bearbeiteten Bildern. Es ist richtiger, die Retusche als das Auftragen von Make-up zu betrachten. Manche tragen Rouge und Lippenstift, andere nutzen Make-up als Ausdrucksmittel und nur wenige betonen ihre besten Eigenschaften.
Ebenso kann die Nachbearbeitung übertrieben, bewusst stilisiert oder subtil sein und nur das betonen, was bereits im Bild vorhanden ist. Verwenden Sie Retusche! Wenn Sie es unterschätzen, geraten Sie in eine Situation, in der allen Ihren Bildern etwas fehlt.
6. Schießen Sie oft und alles.
Es spielt keine Rolle, wie viele YouTube-Video-Tutorials Sie angesehen oder wie viele Bilder Sie analysiert haben. Nur Übung ermöglicht es Ihnen, sich zu verbessern.
Eine Unze Praxis ist mehr wert als ein Pfund Theorie.
Deine ersten Fotos werden scheiße sein. Möglicherweise müssen Sie Tausende von Bildern aufnehmen, bevor Sie eines erhalten, das Ihnen gefällt. Aber jeder von ihnen – selbst der schrecklichste – wird einer der kleinen Schritte zur Meisterschaft sein. hilft Ihnen nicht nur dabei, theoretisches Wissen anzuwenden, sondern ermöglicht Ihnen auch, Ihre Ausrüstung besser zu studieren und zu verstehen, wie sich verschiedene Aufnahmeparameter auf das endgültige Bild auswirken.
7. Geben Sie nicht der Kamera die Schuld
Eine gute Ausrüstung ist beim Fotografieren wirklich wichtig, aber nicht so wichtig, wie man denkt. Ein erfahrener Fotograf wird selbst mit einer billigen Kamera hervorragende Aufnahmen machen können, während ein schlechter Fotograf selbst mit der teuersten Ausrüstung scheitern wird.
Viel wichtiger ist es, auf die richtige Belichtung zu vertrauen, mit Perspektive und Komposition zu arbeiten und die oben besprochenen Tipps zu nutzen. Wenn du das alles lernst, kannst du mit jeder Kamera coole Fotos machen. Sogar auf einem Smartphone!
Natürlich hat jede Ausrüstung ihre Grenzen und mit der Zeit werden Sie aus Ihrer Kamera, Ihrem Objektiv und anderem Zubehör herauswachsen, aber der Punkt ist, dass Sie durch den Kauf einer teuren Kamera nicht zum Profi werden. Und je früher Sie das verstehen, desto eher werden Sie Erfolg haben.
